Retrospectiva 2011: Passado, presente e futuro dos jogos japoneses

Nos meses de dezembro de 2011 e janeiro de 2012, vou aproveitar o tempo livre para escrever uma série de artigos sobre diversas tendências que enxerguei na indústria de games em 2011. Seja nas particularidades dos lançamentos, da imprensa ou da reação do público, pretendo dar uma geral no que aconteceu no ano além de simplesmente listar tudo o que saiu e quais foram os melhores jogos (isso vem depois).

Nos últimos anos, especialmente após a transição para os consoles de jogos em alta definição (PS3 e Xbox 360), tornou-se um lugar comum dizer que a indústria japonesa de games perdeu espaço no mercado mundial. De fato, os desenvolvedores locais tiveram muitos problemas para assimilar os novos parâmetros técnicos e visuais que se espera de um jogo de alto padrão hoje em dia, e ainda por cima os desenvolvedores ocidentais aprenderam a fazer games extensos e com mundos virtuais “abertos”, cheios de possibilidades, que são o exato oposto da tendência japonesa de valorizar um bom drama linear (“bom drama” no sentido de “bem dramático”, não necessariamente de “bom roteiro”). Além disso, o mercado ocidental se afastou ainda mais do japonês ao desenvolver duas facetas que só agora estão começando a interessar, e aos poucos, o público nipônico: multijogador online (local via PSP é outra história) e tiro em 1ª pessoa.

Porém, é da natureza humana demorar para perceber mudanças. Assim como os próprios desenvolvedores japoneses demoraram um pouco para assimilar as diferenças de expectativa do público ocidental nesta geração, muitos gamers e analistas ainda não perceberam que as sementes da próxima leva de designers criativos japoneses já estão plantadas há algum tempo. Por exemplo, pelo menos dois jogos japoneses do ano passado se infiltraram em listas de melhores do ano: Bayonetta, que revitaliza um gênero clássico japonês, o beat’em up, de uma maneira que nenhum desenvolvedor ocidental foi capaz; e Vanquish, que fez o mesmo com um gênero tipicamente ocidental, o jogo de tiro em 3ª pessoa com cobertura. É claro que, aos olhos ocidentais, esses jogos ainda eram claramente nipônicos, e talvez por isso mesmo não tenham vendido tanto quanto mereciam… Mas o importante é que eles representaram um sopro de criatividade essencial e mostraram que os desenvolvedores japoneses estão aprendendo, sim, a lidar com HD, com o poder de processamento dos consoles atuais (Vanquish em especial é acachapante em termos de direção de arte e efeitos visuais), e com outros gêneros além de RPGs por turno com encontros aleatórios.

E se a semente estava plantada em 2010, ela germinou em 2011, pelo menos em parte. Além de jogos novos de altíssima qualidade vindos do Japão, ainda tivemos relançamentos de clássicos nipônicos da geração passada em HD – alguns que passaram batidos por muita gente e hoje figuram como inspiração para qualquer designer de games sério, em qualquer lugar do mundo. E entre o passado refeito e o presente promissor, dá para arriscar dizer que na próxima geração, provavelmente, os japoneses não apenas vão dar uma largada melhor, como podem ser os principais responsáveis pelas maiores inovações formais em design, senão em termos técnicos. Até porque mesmo em 2011 isso quase foi uma verdade. Senão, vejamos:

O melhor do Kinect  vem do Japão

Uma das primeiras obras japonesas interessantes do ano foi, também, uma das melhores experiências para o Kinect, senão a melhor: Child of Eden. Embora o esqueleto do jogo siga a tradição de Rez, jogo anterior da mesma Q Entertainment, a integração ao acessório mais bem-sucedido em vendas nessa geração e a qualidade artística-sonora-visual do game o elevam acima de uma mera continuação obrigatória de geração seguinte. A imersão no mundo de Eden é muito maior quando se pode interagir com o cenário e atirar nos vírus virtuais em pé e usando as mãos, e a barragem de efeitos visuais e sonoros transformam Child of Eden em uma mini-rave trance da qual é impossível não sair eufórico, a não ser que você odeie música eletrônica. Chega a ser curioso, inclusive, que um dos poucos jogos pensados mesmo para Kinect e que não se inspiram no que já fez sucesso no Wii, como coletâneas de esportes e jogos de dança, tenha vindo do Japão – um país em que o Xbox 360 vende menos do que o PS2.

Tarantino e Rodriguez de olhos puxados

Pouco depois, tivemos Shadows of the Damned, a mais nova loucura conceitual de Suda 51 (No More Heroes, Killer 7), agora acompanhado de outros luminares da indústria japonesa de jogos, como Shinji Mikami (Resident Evil, o citado Vanquish) e Akira Yamaoka (Silent Hill). Curiosamente, é a união de um designer japonês cujos games nunca venderam muito no Ocidente, mesmo sendo obcecados por coisas ocidentais (rock n’ roll, jaquetas de couro, luta livre, violência à Tarantino/Rodriguez), com dois profissionais que conseguiram criar franquias de apelo ocidental. O resultado reflete o trabalho de todos eles: Shadows of the Damned é um jogo de tiro em 3ª pessoa a la Resident Evil, com trilha sonora climática e efeitos reaproveitados de Silent Hill e o senso de humor doentio e peculiar de Suda.

Shadows of the Damned é a história de um caçador de demônios mexicano, saído diretamente de um filme de Robert Rodriguez, que tem sua namorada raptada e precisa descer ao inferno para buscá-la. A visão do inferno de Suda não tem precedentes em nenhuma mídia: cabeças de bode que servem como lanternas, grades mágicas seladas feitas de pentelhos (sim, pentelhos), um demônio-caveira que se transforma em uma tocha e diversas armas… E ainda por cima, trata-se de uma história básica de resgate heróico, uma versão from hell (literalmente) e sarcástica de todos os jogos do Mario tentando salvar a princesa Peach – com direito, sim, a momentos “ela está em outro ‘castelo'”; basta prestar atenção para sacar. Junte a isso uma jogabilidade sólida e uma série de mecânicas inéditas interessantes – entre elas, a escuridão como algo que lhe causa dano, mas que precisa ser encarada e manipulada para avançar na jornada – e você tem um dos melhores jogos do ano, e dos menos previsíveis em toda essa geração.

Os japoneses deles são mais maduros que os nossos

Nós, ocidentais, adoramos sacanear as idiossincrasias sexuais dos japoneses. Na nossa cabeça, todos têm tara por colegiais, cheirar calcinha, tentáculos em hentai e afins. A grande hipocrisia disso tudo é fingir que nós não temos equivalentes: snuff films, taras sadomasô, concurso de camisa branca molhada, Carnaval, redes de pedofilia, pornô na Internet para nerds que moram com os pais aos 35 anos… E no mundo dos games há uma dinâmica equivalente. Gostamos de apontar para Dead or Alive e dating sims, mas nos recusamos a notar que menos de 5% das pessoas envolvidas em estúdios desenvolvedores nos EUA são mulheres, e como isso se reflete nos jogos que são produzidos. Isso sem contar que, pelo menos, os japoneses não têm a tara por guerra e por machões bombados badass que nós temos. Tara por tara, eu prefiro as japonesas (pedofilia e Rapelay à parte, claro). A verdade é que, tanto aqui quanto lá, games são feitos predominantemente por homens com um pé na adolescência tardia. A diferença é que lá na terra do sol nascente ainda há espaço para um jogo que trate de um assunto maduro, como relacionamentos amorosos, traição e casamento, sem transformá-lo em fan service para nerds e/ou otakus punheteiros.

Catherine chegou no meio do ano para explodir mentes: o que diabo era aquilo? Um trintão preguiçoso tendo pesadelos com blocos de empilhar, cercados por ovelhas falantes em duas patas? Como assim pessoas estão morrendo nesses pesadelos? E ainda por cima, como os tais puzzles podiam ser tão difíceis? Catherine coloca o jogador no centro de algumas dicotomias – ordem x caos, casar x curtir a vida, a mulher séria e trabalhadora x a voluptuosa e inconsequente, e assim por diante – e pede que ele faça escolhas e responda perguntas. Elas podem não fazer uma enorme diferença no progresso do jogo (embora definam o final, é claro), mas o grande ponto de Catherine é não julgar o jogador. O elenco de personagens reforça isso, ao incluir desde figuras impossíveis que cumprem um papel mítico (as duas velhinhas gêmeas, por exemplo) até pessoas comuns com suas opiniões sobre os temas centrais, cobrindo o máximo de posturas possíveis. Além disso, o jogo consegue o feito de colocar o jogador na pele do protagonista não só pela história envolvente, mas pela jogabilidade: escalar os tais blocos nos pesadelos é uma das coisas mais tensas que você jamais fará em um videogame, e ao final de cada fase, sairá tão mentalmente esgotado quanto Vincent, o protagonista, acorda na manhã seguinte. Além de ser o jogo mais maduro a sair em muito tempo, Catherine consegue uma sinergia entre narrativa, cenário, jogabilidade e imersão que nenhum outro jogo conseguiu nesta geração, mesmo com todo o avanço tecnológico.

Cores a serviço da psicodelia e o futuro do beat’em up

Uma das maiores críticas aos jogos japoneses tem a ver com manias estéticas, como o traço mangá/anime, os cabelos espetados e figurinos coloridos afins ou espadas gigantescas. Pouca gente se atenta, porém, de que os games ocidentais têm suas manias semelhantes. Por exemplo, Fallout, Borderlands e Rage podem ser tecnicamente muito bem desenhados, mas todos seguem uma visão muito ocidental e já formulaica do que seria um mundo devastado/desolado (contraste com Resistance 3 ou Enslaved para outras visões pós- ou semi-apocalípticas). Para cada espada de seis metros em um jogo japonês, há uma arma de cano impossivelmente longo em games de tiro ocidentais, ou coisas ainda mais inviáveis no mundo real, como uma motoserra na ponta de um rifle. De novo, assim como no caso da maturidade, mencionado acima, o roto não pode falar do rasgado, pois ambas as indústrias ainda refletem exatamente as particularidades e a idade mental de quem faz a maioria dos jogos.

E aí me vem El Shaddai: Ascension of the Metatron e busca inspiração narrativa em escritos apócrifos judaico-cristãos (o Livro de Enoque) e colore o jogo todo – não como em Final Fantasy, e sim uma espécie de versão em aquarela interativa da psicodelia sessentista mais rasgada, bem Yellow Submarine mesmo. Os mais apressados e tarados por pixels por polegada vão apontar que o jogo poderia, em termos visuais, ter sido feito na era PS2, mas isso não interessa: El Shaddai, assim como Okami, é uma prova de que a direção de arte em games ainda tem muito território a explorar. Além disso, o jogo capitaneia uma tendência recente para beat’em up/hack n’ slash que vai na contramão do que se instituiu na geração passada, principalmente com God of War: chega de 367 combos dos quais você irá usar 4, se tanto, e chega de combinações escalafobéticas de botões na linha “aperte X três vezes rapidamente enquanto segura o gatilho direito e o analógico para baixo, gira o controle e solta um pum”. Em El Shaddai, assim como nos dois Batman recentes e, de maneira bem mais limitada, a série Assassin’s Creed, o combate tem tudo a ver com momento/tempo de pressionamento. Os comandos em si são poucos: usa-se dois ou três botões apenas, talvez um dos gatilhos para bloquear/modificar os botões, e está bom demais. O resto é a sua capacidade de entender o que está acontecendo, mais do que de reagir rápido com qualquer combinação maluca que lembrar. Se alguém quiser acabar de vez com o esmagamento de botões, é bom prestar atenção em El Shaddai.

Recriando a fórmula

Um dos maiores pontos de fricção entre a mentalidade ocidental e a oriental para games é o gênero de RPGs. Acho que não preciso me estender aqui na diferenças entre, digamos, Final Fantasy e Mass Effect, ou Dragon Quest e Fallout. O que muita gente não percebe é que os japoneses não continuam fazendo RPGs lineares, sem escolhas e com sistemas de batalha por turno somente por falta de ideias, e sim porque eles vendem bem no Japão. Por mais que Skyrim tenha vendido bem no ocidente, aqui os RPGs ainda são um gênero secundário em termos de vendas, perdendo pelo menos para shooters e jogos de esporte; enquanto isso, no Japão, RPGs ainda “ruleiam”. Ou seja, a comparação correta talvez não seja, na verdade, entre Final Fantasy XIII e The Witcher 2, e sim entre Dragon Quest IX e Call of Duty: Modern Warfare 3 – dois jogos que repisam pela enésima vez uma fórmula que dá muito certo na região onde foram criados. Se Modern Warfare 3 vende em um território maior, é uma questão cultural que corre em paralelo às questões de design e (falta de) inovação, independente do gênero ao qual cada jogo pertence.

Isso dito, como sempre acontece nesses momentos, as pessoas que mais reclamam da falta de inovação em um gênero são as que menos contribuem para que a coisa mude, ignorando solenemente os jogos que são diferentes no fim das contas. Enquanto no ocidente só se fala em Battlefield x Modern Warfare e se ignora os diversos outros FPS não-militares do ano, quase ninguém deu bola para Resonance of Fate no ano passado e Xenoblade Chronicles em 2011 – dois RPGs que partem sim da fórmula básica japonesa de universos excêntricos com personagens de anime em lutas por turno, mas que ao mesmo tempo injetam diversas novidades que os tornam modernos e mais palatáveis ao público ocidental. Xenoblade em especial tem mundo aberto, estrutura de missões mais livre e um ecossistema que reage realisticamente – isto é, você vê todos os inimigos de longe, pode evitá-los à vontade e, se chegar perto, eles reagirão de acordo com a sua natureza (nem todos são hostis). O jogo teve notas acima de 90 – um patamar parecido com as de Skyrim, por exemplo – mas dificilmente será sequer indicado para qualquer prêmio de RPG do ano, quanto mais ganhá-lo. Assim fica fácil sustentar a diferença cultural: quando um jogo a quebra, ele é solenemente ignorado em prol de um RPG ocidental quase idêntico ao seu antecessor, porém tecnicamente aprimorado.

Desconstruindo a fantasia medieval e o molde tradicional de narrativa

Os fãs de RPGs ocidentais adoram apontar para os mundos abertos e extensos, a quantidade de missões paralelas e as opções profundas de personalização dos personagens, mas se esquecem de perceber que uma série de outras coisas está virando clichê nos jogos de fantasia medieval. Inventários excessivamente complexos (basta ver como Dragon Age II e Dungeon Siege III foram criticados por tentar simplificá-los), falta de direção na trama, cenários previsíveis inspirados em Tolkien e incentivo à nerdice generalizada (ver marmanjos barbados reproduzindo os gritos de guerra nórdicos de Skyrim é algo emblemático). Além disso, há algumas coisas que precisavam ser contestadas a essa altura, como ter todas as missões conferidas por NPCs depois de monólogos irreais (“Olá grande aventureiro! Não nos conhecemos, mas como você é um herói, poderia ir buscar item X pra mim?”) ou insistir em métodos de entrega de informações que “param” o jogo e o reduzem a uma interatividade quase nula (como os livros encontrados em N jogos do gênero, especialmente em Dragon Age e Elder Scrolls). Por sorte, ainda existe gente experimentando com o reverso completo da moeda – e gente do Japão.

Demon’s Souls e Dark Souls são vendidos como jogos difíceis e pesados em termos de clima, mas o combate extremamente preciso e o hábito de ignorar muitos dos clichês originários de Tolkien (nada de elfos e anões, nada de “irmandade” de porra nenhuma) são apenas dois dos muitos acertos desses dois jogos. Reparem que, aqui, o inventário é relativamente simplificado, os diálogos são limitadíssimos, e as “missões” existem apenas na medida em que o jogador se dispor a explorar o mundo. Os habitantes dos mundos de Demon’s e Dark Souls são pessoas de poucas palavras, exatamente como reagiriam pessoas vivendo em reinos sob situações tão precárias. O jogo não te entrega nada na mão e, assim, deixa um espaço narrativo gigantesco para que a trama seja a jornada do jogador, e não de um personagem pré-escrito – e melhor, esse espaço será preenchido através das mecânicas de jogo, não no input relativamente estéril de escolher opção A ou B em uma caixa de diálogo que não irá mudar a história principal de qualquer maneira. Aqui, a trama é a sua história; mesmo quase sem diálogos, personagens e afins, minha história de Dark Souls sempre envolverá uma primeira luta contra chefe com a ajuda de um desconhecido, o assassinato premeditado de um NPC que poderia me ajudar depois, e inúmeras voltas em Undead Burg sem me dar conta de usar flechas; para cada outro jogador, ela será diferente, mas tão misteriosa quanto.

Ensinando como revitalizar uma sequência

Um dos maiores mimimis da imprensa de games e dos jogadores descolados nos últimos anos foi reclamar da quantidade de sequências – algo especialmente notável pela quantidade de “3s” em 2011 (Resistance, Uncharted, Battlefield, Modern Warfare, Gears of War e por aí vai). O problema é que, por mais que isso indique o quanto a indústria resolveu apostar no seguro esse ano, colocar todos no mesmo saco serve apenas para borrar as distinções entre sequências que realmente aprimoram/trazem algo de novo e as que só satisfazem a sede do consumidor por mais um jogo daquela franquia. Mas volto a esse assunto em outro artigo: no momento, o ponto é que a indústria que mais se aproveita do formato sequência anual, hoje em dia, é a ocidental. Sim, temos alguma espécie de Mario todo ano, e se bobear a Capcom logo fará o mesmo com Resident Evil… Mas no geral, os japoneses são bem mais cuidadosos com as suas franquias de sucesso, seja demorando anos para lançar algo (Final Fantasy) ou em uma média de dois anos em plataformas diferentes (Monster Hunter).

Vide o caso de Legend of Zelda. Ocidentais adoram dizer que se trata do mesmo jogo, mas isso só tem alguma lógica em comparação com o tipo de game que se faz no ocidente; da perspectiva de quem joga shooters ou RPGs como Skyrim frequentemente, Zelda sempre parecerá o mesmo jogo apenas por ser Zelda – mais ou menos como Fifa e PES são sempre a mesma coisa para quem não gosta de games de esporte/futebol. O diabo é que o rigor analítico, esse maldito carrasco dos jornalistas preguiçosos, demanda que avaliemos cada Zelda também em relação à própria série – não é assim que se faz para notar que Call of Duty é igual todo ano? E ao olhar para Skyward Sword, as diferenças para os anteriores são gritantes. Zelda não é princesa? Eles vivem em um reino no céu? Não tem master sword? Agora tem barra de stamina? Link consegue escalar e se pendurar? A transição de um mundo a outro envolve vôo em pássaros? As dungeons são interconectadas em níveis que vão sendo liberados, como em Demon’s Souls? Há upgrade de itens? E, principalmente, agora você pode usar o Wii Motion Plus para finalmente jogar com um escudo na mão e a espada na outra, em um nível de imersão e fantasia de infância realizada sem precedentes? Se Modern Warfare 3 tivesse metade das novidades que Skyward Sword tem, ninguém iria reclamar dele…

O resgate de clássicos modernos pouco usuais

O ano foi prolífico em relançamentos em HD – o que é um assunto para outro artigo, também – e os japoneses contribuíram com uma parcela dessa nostalgia. O legal, no caso dos lançamentos nipônicos, é que em vez de meras trilogias relançadas para quem não as jogou na era PS2 – como Prince of Persia, Tomb Raider ou Sly Cooper – temos games com design único e que, francamente, precisavam ser “copiados” com mais frequência. Ou seja, trata-se também de uma questão de resgate histórico, antes que o design de games seja totalmente ditado pelos shooters e pelos RPGs intermináveis de fantasia medieval de sempre.

Por exemplo, toda uma geração de gamers “dedicados” que desprezou o Wii poderia ter ficado sem experimentar mais uma quase-obra-prima de Suda 51, No More Heroes – e portanto não aprenderiam como controles de movimento podem ser bem implementados em jogo de beat ‘em up, ou não perceberiam que nós precisamos de um pouco mais de Tarantino e menos Michael Bay nessa indústria vital (e, em último caso, a versão PS3 permite jogar com o controle normal, então toma!). Também há casos como o meu, de quem pulou gerações inteiras e nunca teve um PSP e, com isso, não pôde experimentar a série Metal Gear Solid e sua fusão única de espionagem, drama no talo, jogabilidade complexa e minuciosa e lutas com alguns dos chefes mais bizarros já criados. Por fim, com essa enxurrada de cenários pós-apocalípticos e hiperrealistas em shooters espaciais, aventuras e RPGs ocidentais, alguém precisa nos lembrar que games podem ser mais contemplativos e inteligentes – como fez The Ico & Shadow of the Colossus Collection, dois jogos que marcam um contraponto japonês ao papel que Portal representa nos games ocidentais.

A perspectiva de futuro

E se os japoneses andam voltando a acertar a mão até mesmo no que escolhem relançar, as perspectivas de futuro são boas, não? De fato. Claro que alguns desses jogos podem se provar aquém das promessas, mas de uma coisa eles não parecem sofrer: falta de ambição. Os dois mais aparentemente comuns são, talvez não por coincidência, da Capcom: Asura’s Wrath e Dragon’s Dogma. O primeiro promete uma espécie de God of War à japonesa, tanto em escala quanto em temática; a esperança de inovação está na direção de arte e no combate, que se seguir a tendência recente de beat’em ups, será menos complexo e mais profundo. Falta saber se o povo que chora tanto que os jogos japoneses “não são do gosto ocidental o suficiente” vai acabar reclamando justamente da Capcom se inspirar em um sucesso ocidental… Já Dragon’s Dogma pode ser qualquer coisa, de um novo Monster Hunter a um complexo mundo aberto de ação que jogará fora toda a gordura desnecessária de um Skyrim para se concentrar no que a maioria realmente quer daquele jogo: caçar dragões.

No lado mais doidão, Suda 51 não pára, mesmo com seus jogos não vendendo tão bem: agora com o suporte da Warner (Shadows of the Damned saiu pela EA, No More Heroes pela Ubisoft no Wii e Konami no PS3), ele vai ainda mais fundo na temática trash com Lollipop Chainsaw – talvez o jogo de esfolar zumbis mais bizarro que você jamais jogará, estrelando uma cheerleader criada para ser caçadora de mortos-vivos e que anda com a cabeça decepada do namorado pendurada na cintura. Parando para pensar, só esse detalhe já é uma declaração de intenções – ainda mais vindo de alguém que, até então, só tinha feito jogos com protagonistas masculinos ironicamente badass. Para completar, o jogo é uma parceria com James Gunn, cineasta com trabalhos para a Troma no currículo – ou seja, a credibilidade de filme B está garantida. E você não verá tanto fan service punheteiro e purpurina/arco-íris voando em nenhum outro jogo de zumbi.

E não é só isso, não. O seu estúdio, a Grasshopper Manufacture, ainda produzirá dois jogos para download em parceria com o estúdio húngaro Digital Reality: Sine Mora e Black Knight Sword. Esse último, pelo menos de acordo com a demonstração feita na Gamescom, parece perverter a estética de livros infantis de fantasia e teatro de marionete com uma jogabilidade 2D/lateral recheada de sangue e humor negro, como convém ao estúdio (algo semelhante pode ser visto em algumas fases de Shadows of the Damned). Enquanto isso, Sine Mora é um “jogo de navinha” lateral com um visual “diesel-punk” (seja lá o que isso for) acachapante, utilização de câmera dinâmica a la Shadow Complex e uma mecânica pouco usual para games do gênero: não há vidas, e sim extensão de tempo a cada inimigo que você derrota (incluindo chefes) e armas/dispositivos de manipulação temporal. Ainda por cima, a trilha é de Akira Yamaoka, também. Considerando a trilha de Shadows of the Damned, é uma ótima notícia.

E para coroar o ano japonês, a VGA nos traz uma ótima notícia sobre o próximo Metal Gear, aquele do Raiden com uma espada capaz de cortar tudo (até melancias): o jogo está sendo desenvolvido pela Platinum Games, a melhor produtora de jogos de ação frenética e com visuais incríveis da atualidade (incluindo MadWorld, Bayonetta e Vanquish). Renomeado como Metal Gear Rising: Revengeance (notem a ausência de “Solid”) e descrito como “Lightning Bolt Action” (ou seja, nada de espionagem tática), o jogo promete superar Vanquish no quesito “game de ação com cara de próxima geração” – especialmente se a promessa de poder cortar tudo, do jeito que quiser, for cumprida (e a Platinum disse em um tweet que a mecânica permanece, e a 60 quadros por segundo!). Antes que me venham chorar que não é stealth, tenham dó: Metal Gear Solid tem quatro jogos principais e dois para PSP, fora os pré-Solid Snake para MSX ou sei lá que plataforma. Ninguém vai morrer por conta de um spin-off mais direto ao ponto e sanguinolento – e como continua sob supervisão do Kojima, duvido que o universo e a narrativa sofram com isso.

Só não deixem essa notícia eclipsar o próximo jogo da Platinum, Anarchy Reigns (Max Anarchy no Japão), provavelmente o primeiro dessa leva toda a sair (previsto para janeiro de 2012 já). Trata-se de mais um beat’em up, e que ainda por cima reutiliza personagens de MadWorld, só que com um detalhe mais do que inusitado: foco em combates online. Como isso vai funcionar exatamente ainda é um mistério, já que não me lembro de nenhum jogo do gênero que tenha sido levado para o ambiente multijogador exceto em ocasionais modos cooperativos (e mesmo assim, quase sempre locais, não online). Serão combates competitivos? Se sim, apenas mano a mano, em equipe ou vale-tudo? Ou envolverão combater hordas de inimigos? Ou ainda, serão vários modos diferentes? Será mais ou menos como um jogo de luta, só que em 3D e com o espaço de movimentação e os diversos golpes que se espera de um beat’em up, ou alguma outra coisa? A curiosidade é grande.

E toda essa lista não inclui os jogos que serão publicados por companhias japonesas, especialmente pela Konami e pela Capcom,  porém desenvolvidos por estúdios ocidentais: DmC pela Ninja Theory (Heavenly Sword, Enslaved: Odyssey to the West), publicado pela Capcom; NeverDead pela Rebellion Developments (diversos ports para portáteis, Rogue Trooper, Alien vs. Predator), publicado pela Konami; Silent Hill: Downpour pela Vatra Games (parte da Kuju Entertainment, que fez House of the Dead: Overkill e Rush n’ Attack: Ex-Patriot), publicado pela Konami; e Resident Evil: Operation Raccoon City pela Slant Six Games (SOCOM), publicado pela Capcom. Embora se tratem de estúdios ocidentais, todas essas franquias têm traços inegavelmente japoneses que não devem ser sacrificados, e a união pode inclusive gerar boas ideias a serem seguidas pelas duas indústrias – afinal, não temos nenhuma Activision ou Microsoft envolvidas para matar qualquer ideia de design inovadora que aparecer já no nascedouro. É aguardar para ver se algum deles complementa a lista acima, e se teremos um 2012 tão interessante para a inovação na indústria japonesa quanto 2011 foi.